Critiques de films Archives

Me Get Away From Here, je meurs

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"Ces hommes étaient grands prêtres qui ont donné leur vie pour servir le Dieu unique qu'ils savaient et qui ont adoré - art. Leur récompense était de produire de grandes œuvres qui, au moment où je les connaissais, a largement méconnu et inaperçu. Le prix qu'ils ont payé pour produire un tel art était excessivement élevé; ils ont sacrifié toute chance de bonheur et d'amour ordinaire. Sans doute, l'angoisse a fait partie de ce qui a caractérisé leur art. Mais au fond de leur passion, la douleur et la pauvreté me terrifiait.
-Elliot Tiber, Taking Woodstock

C'est l'histoire de Charlie Kaufman veut dire dans Synecdoche, New York: un artiste vivant la vie de l'artiste. Inutile de dire que c'est un film difficile à passer à travers. Certaines personnes peuvent avoir un intérêt anthropologique dans une telle histoire, je ne.

Je l'ai vu deux fois - absolument détesté ce la première fois. Quand la foule a commencé intellectuel jaillissant sur elle, je me suis senti obligé de le regarder à nouveau. Mon impression a été la deuxième fois que c'est un film de moments. Il saisit ce Elliot Tiber décrit ci-dessus: cas de la beauté stupéfiante, située entre de longues périodes de néant misérable qui vous vous demandez si elle en vaut la peine.

Voici ce que j'aime dans Synecdoche, New York (attention: certains spoilers), le reste je vous laisse à la masochistes.

1) Dès le début, Caden Cotard (Philip Seymour Hoffman) met sur une production de Death of a Salesman, dans lequel Willy Loman et Linda sont joués par des acteurs dans leur 20s.

2) Lorsque Adèle manque (Catherine Keener) Caden dit qu'elle est le quittant, elle dit: «Tout le monde est décevant - plus vous connaissez quelqu'un."

3) Caden semble inexplicablement dans l'une des fille Olive caricatures de son.

4) Caden aurait-être sa petite amie, Hazel (Samantha Morton), vit dans une maison qui est toujours en feu.

5) sur le téléphone de Berlin, Adèle laisse échapper: «Je suis célèbre!"

6) Lorsque Caden se rend à Berlin pour visiter Olive, ami de Adele, Maria (Jennifer Jason Leigh) montre en parlant dans un allemand accent ridicule.

7) le thérapeute Caden, Madeleine Gravis (Hope Davis), lui raconte une histoire hilarante d'un ans littéraires génie 5 "et sa dégradation ultime entre les mains d'un noir ex-forçat nommé Eric Washington Jackson Jones Johnson. Jefferson.

8) Sur son lit de mort, l'un des tatouages fane d'Olive.

9) Madeleine verse Caden une visite surprise dans un avion.

10) Après Sammy (Tom Noonan) rejoint le casting du film épique de la production de Caden, Sammy et Caden sont suspendus sur le balcon de Caden, et un zeppelin passe au-dessus.

11) Dans la production épique, Emily Watson joue Samantha Morton caractère - deux actrices souvent confondu avec un autre dans la vie réelle.

12) Emily Watson devient nu - qui, heureusement assez causes Caden d'arrêter de pleurer.

13) suicide discours de Sammy.

14) Tout ce qui se passe dans les 10 dernières minutes du film après Caden met dans l'écouteur.

15) Le discours du ministre, qui je pense vaut la peine de réimprimer ici dans son intégralité: «Tout est plus compliqué que vous le pensez. Vous ne voyez que d'un dixième de ce qui est vrai. Il ya un million de petites ficelles attachées à chaque choix que vous faites, vous pouvez détruire votre vie chaque fois que vous choisissez. Mais peut-être vous ne saurez pas pendant vingt ans. Et vous pouvez ne jamais l'trace à sa source. Et vous n'avez qu'une seule chance de le jouer. Juste essayer de comprendre son propre divorce. Et ils disent qu'il n'y a pas de fatalité, mais il est: c'est ce que vous créez. Et même si le monde va pour les éons et éons, vous êtes ici pour une fraction de fraction de seconde. La plupart de votre temps est consacré est mort ou pas encore nés. Mais de son vivant, vous attendez en vain, de gaspiller ans, pour un appel téléphonique ou une lettre ou un regard de quelqu'un ou quelque chose pour que tout droit. Et il ne vient jamais ou il semble, mais cela n'a pas vraiment. Et si vous passez votre temps dans le regret vague ou vagues espoir que quelque chose de bon va venir. Quelque chose pour vous faire sentir connecté, quelque chose pour vous faire sentir tout, quelque chose pour vous faire sentir aimée. Et la vérité est que je me sens tellement en colère, et la vérité est que je me sens si foutrement triste, et la vérité est que j'ai senti si mal pour putain putain si longtemps et pour aussi longtemps que j'ai fait semblant que je suis OK, juste de s'entendre, juste pour, je ne sais pas pourquoi, peut-être parce que personne ne veut entendre parler de ma misère, parce qu'ils ont eux-mêmes. Eh bien tout le monde baise,. Amen. "

Le film Feel Bad-de l'année

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Une grande partie de la controverse entourant la sortie prochaine de l'Antichrist outrageusement provocateur Lars von Trier a à faire avec deux scènes extrêmement graphique de la violence sexuelle. J'ai été capable de supporter le premier - surtout parce qu'il m'a pris au dépourvu, et je n'avais pas d'autre choix que de rester là à le regarder comme un cerf dans les phares. Mais le second - celui d'une paire de ciseaux rouillés et un certain organe sexuel (je vous laisse le soin de deviner lequel) - j'ai vu venir un mile au large, j'ai donc passé cette scène étudier mes genoux.

Ce que j'ai fait observer que j'aimais. Pas dans le "profiter" les sens du terme, mais j'ai apprécié ce que von Trier a été fait. Il prend des thèmes religieux du film très au sérieux. Certains spectateurs pourraient penser qu'ils sont Punk'd, mais je ne le crois pas. En ce qui concerne l'imagerie et l'iconographie catholique, il est tout aussi sincère que Mel Gibson - et peut-être deux fois plus fou.

Le film commence dans la dévastation, et puis des spirales à la baisse à partir de là. Il (Willem Dafoe) et Elle (Charlotte Gainsbourg) - nous n'avons jamais savoir ce que leurs noms sont - font l'amour passionnée au lit. (Sans raison apparente, la scène comprend l'un des plans von Trier insérer brevetée de sexe non simulées.) Bien que ce qui se passe, leur jeune fils sort de son lit, grimpe sur une corniche, et tombe par la fenêtre.

La mère est inconsolable et doit être hospitalisé. Grâce à son expertise en tant que psychanalyste, il tente de la convaincre de descendre de sa dépression. Au moins, je pense que c'est ce qu'il fait. Dans la façon dont il offre ses lignes, un peu Dafoe fait vous vous interrogez sur les motivations du gars. Nous pensons que, "Si j'avais cette voix dans ma tête, je serais probablement fou aussi."

Il suggère qu'ils chassent de leur cabane dans les bois, qui est nommée Eden. Mais la nature est la dernière chose que ces gens ont besoin, la nature est de jeux de Satan. Comment puis-je savoir ce que c'est? Parce que le renard avec les entrailles exposées me l'a dit.

Qu'est-ce qui se passe réellement dans l'Antéchrist est loufoque et plus-haut, ce qui compte c'est comment ça se passe. Les séquences de rêve ne ressemblent à rien que j'ai jamais vu. Von Trier et son directeur de la photographie, gagnant d'un Oscar Anthony Dod Mantle (Slumdog Millionaire), overcrank l'appareil et tirer dessus façon. L'effet est comme entrer dans un cauchemar éveillé. Lorsque Stanley Kubrick filmait The Shining, Stephen King a accusé le légendaire auteur de faire un film qui "blesser les gens." Parfois, je me demandais si von Trier a essayé de faire la même chose.

Au Festival du Film de Cannes, Antichrist a été nommé «le film le plus misogyne de l'administrateur-proclamé plus grand soi dans le monde." Honnêtement, je ne comprends pas cette accusation. Les femmes dans Breaking the Waves, Dancer in the Dark, Dogville et Manderlay sont toutes les victimes de la dégradation. Il dit les femmes sont parfois victimes de violence - en particulier la violence sexuelle; comment qui font de lui un misogyne? (Si il a été dit qu'ils le méritaient, ce serait autre chose.) Je ne vois pas comment l'Antéchrist est plus ou moins misogyne que ses précédentes travail von Trier.

Plus de meilleurs une allégorie religieuse ou d'une bataille des sexes, le film fonctionne comme un shocker tous azimuts - Merci en grande partie à deux des performances les plus extraordinaires de l'histoire de films d'horreur. Ce n'est pas un chef-d'œuvre, mais il est une véritable expérience - un quasi sans précédent arrachement un. Je recommande de le voir dans les salles. Vous ne voulez pas manquer de voir tous ces gens se couvrant les yeux et courir vers la sortie.

Voyage cosmique à 1080p

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Quand j'ai eu mon premier lecteur DVD, en l'an 2000!, Il est venu avec plusieurs offres de films gratuite. Le premier disque que j'ai obtenu était de contact, le grand écran l'adaptation de 1997 du roman de Carl Sagan, réalisé par Robert Zemeckis. C'est un de mes films préférés. La semaine dernière, il a été ré-édité en Blu-ray et on ne pouvait pas demander un meilleur package.

Le transfert du film lui-même est absolument vierge, en préservant le ratio de 1,85 aspect théâtral et les détails croustillants de la version originale de théâtre. Cela est particulièrement apparent dans le plan d'ouverture majestueuse qui nous emmène à travers l'univers entier, ainsi que dans les nombreuses séquences où le film alterne entre des retransmissions vidéo de texture et de film réel.

Heureusement, la BD conserve tous les bonus du DVD original. Il s'agit notamment de multiples commentaires audio de long métrage par Jodie Foster, Robert Zemeckis et Steve Starkey, et Ken Ralston avec un autre superviseur des effets visuels. Il ya aussi un certain nombre de featurettes qui touche aperçu plans d'effets visuels. Ce qui est formidable, c'est que ces fonctions sont clairement présentés, alors qu'ils étaient malencontreusement enterré dans le menu maladroite de l'original de DVD. Uniques pour l'édition BD est un morceau de musique uniquement audio. (Je suis un grand fan du compositeur Alan Silvestri travail et bien l'intention d'assister à tout le film, en écoutant ce titre.)

Autre détail qui Personnellement, j'aime bien, c'est que le film commence à jouer directement sur le chargement du disque. Il ne commence pas par un menu. C'est un attribut oublié de DVD au début que je trouve très pratique.

C'est un disque superbe Blu-ray d'un film qui mérite d'être présenté de cette façon. Je recommande fortement, et même exiger que vous sortez et l'acheter dès maintenant.

Frères Keeling High Score Points avec «IQ»

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IQ est une horreur film en haute école faite par des gens à l'école secondaire. Si cela semble terrible, préparez-vous à une surprise: il s'agit d'une pièce follement précoce du travail.

Il a été réalisé par les frères Keeling, Aaron et Austin, qui a grandi à Lansing, au Kansas. Ils ont commencé à bricoler avec la caméra de leurs parents au collège, ce qui rend idiot courts métrages. Au moment où ils ont appris à l'école secondaire, leur travail a considérablement évolué. Influencé par le surréalisme, films cauchemardesque de David Lynch (ainsi que son approche scrupuleuse à la conception sonore), Keelings «Playtime la Pop avec Schlompkins et Spoon sont à peu près aussi professionnellement fait que tout ce que vous êtes susceptible de voir par cinéastes adolescentes.

IQ est leur premier long métrage. Aaron a écrit, réalisé et il a tiré, alors que Austin édité, réalisé et co-vedette en elle. (Ils ont également réalisé de nombreuses autres tâches - trop nombreuses pour être citées ici.) Il a fallu 344 jours pour terminer, et le produit fini fonctionne 79 minutes. C'est un témoignage de leurs compétences (et les Keelings avons COMPÉTENCES MAD), environ une heure de celui-ci est amusant à regarder, on oublie parfois que vous regardez une production secondaire. La meilleure chose, c'est que, peut-être pour la première fois, le Keelings ont quelque chose à dire.

Il est situé dans un lycée où tous les élèves sont laissés pour compte. Le principal, M. Thompson (Bobby Parsons), est sous une pression énorme pour stimuler les scores de l'école aux tests normalisés. Il est désespéré quand le diable se manifeste dans son bureau sous la forme d'un vendeur (Brian Snodgrass), qui lui emplacements sur l'idée de distribuer un médicament miracle appelé NCLB-240. Tous les élèves ont à faire est de sauter un petite pilule verte toutes les 30 minutes, et leur niveau d'intelligence sont garantis à la hausse.

Cinq étudiants - Amy (Jenny Curatola), Mike (Andrew Shafer), Chloé (Katie Cook), David (Austin Keeling) et Rachel (Amanda Pina) - sont choisis pour tester le médicament en fonction de leurs qualités médiocres. Leurs scores d'améliorer de façon spectaculaire, mais bientôt ils sont tous coucou va pour Cocoa Puffs.

Il ya quelque satire sociale ludique qui se passe ici. Les cinq étudiants malchanceux sont affectés à un cours donné par Mme Robinson (Bianca Elliot), qui demande instamment à vouloir se «viens prendre vos pilules, les enfants." La Keelings font une déclaration de subversif de tests standardisés, qui est devenu un tel aspect central du système d'éducation du public dans ce pays sous l'administration Bush II. Ils peuvent être premiers cinéastes qui ont grandi dans les années Bush à fait faire un film de long métrage sur la culture dans les années Bush.

La séquence d'ouverture est un rapace réel, faisant allusion à la terreur à venir, mais après cela il ya beaucoup d'exposition à passer. Je ne sais pas quoi faire de l'intrigue secondaire traitant de petit ami d'Amy rompre avec elle. Aaron script Keeling ne vend jamais tout à fait nous sur l'idée que les parents seraient laissées complètement en dehors de la boucle quand il s'agit de l'expérimentation de drogues. Parmi les artistes plus jeunes, Austin Keeling est le meilleur à offrir le dialogue de son frère, mais les autres acteurs ont leurs moments. Pina est particulièrement émouvante dans les scènes où Rachel est à la traîne du reste de la classe et commence à prendre plus de pilules.

Juste quand vous pensez le film est sur le point de tester votre patience, les effets secondaires du médicament sur le départ coup de pied dans, et le Keelings déclencher un raz de marée d'images d'horreur d'imagination.

Les choses les plus terribles se produisent à l'intérieur d'une tente d'exploitation, dont la visite des élèves dans leurs rêves. (J'adore le Magicien d'Oz contact de la coulée Parsons dans le rôle d'un docteur fou des expériences horribles.) Je n'oublierai pas de sitôt car le gars avec la blessure à la tête écoulement ou l'autre gars avec les bougies d'anniversaire qui sort de son poitrine. Dans une des scènes les plus troublantes, les étudiants ont leur fermer la bouche cousue et des boutons cousus dans leurs yeux. Je parie que les Keelings ont pissé quand ils ont vu Coraline les avaient battus à l'punch!

Je voudrais distinguer Elizabeth Decker pour son maquillage FX spectaculaires travail. La partition originale (par Chase Cavalier) et la conception sonore contribuent aussi à l'air globale du film de professionnalisme. Comme faire le directeur de la photo et l'édition, de la scène du premier au dernier.

Le Keelings sortir sur un point élevé, de trouver un moyen ingénieux pour encapsuler certaines des idées qui roulent dans leurs têtes. C'est une finale superbe, qui fait allusion à de grandes choses à venir, et je m'attends à rien de moins à partir de ces cinéastes talentueux.

IQ est disponible sur DVD. Il a longueur commentaire complet, des scènes coupées et bêtisier. Vous pouvez l'acheter ici . Le trailer du film est sur YouTube .

Le film que vous ne visaient pas à voir

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Pendant la lecture d'un examen de un nouveau livre sur Superstar: La Karen Carpenter Story , j'ai découvert que Todd Haynes le court métrage infâme est disponible à regarder en ligne. Je meurs d'envie de voir cette chose depuis des années, alors je l'ai vite téléchargé sous forme de film QuickTime hors d' illégale-art.org . Vous pouvez également acheter une copie de DVD , et vous pouvez regarder le film en entier dans les parties sur YouTube . Il fonctionne 43 minutes.

Haynes a Superstar en 1987 en tant qu'étudiant diplômé au Bard College. (Cynthia Schneider a co-écrit et co-produit le film.) Il est rapidement devenu un classique culte, mais a été retiré de la circulation en 1990 lorsque Richard Carpenter a remporté un procès en contrefaçon du droit d'auteur. Haynes a utilisé 10 de la Fraternité "chansons sans autorisation.

énoncé de la thèse partie, film d'horreur, Superstar n'est pas musicale biopic ordinaire. Il raconte la bataille Karen Carpenter livrée et perdue d'anorexie mentale. Le casting est entièrement composé de poupées Barbie, et si cela ressemble à une plaisanterie, ce n'est pas. Il est impossible d'imaginer que cette histoire racontée dans un plus puissant et touchant le mode.

The Carpenters - Richard et sa petite sœur, Karen - étaient responsables de ces 70 grinçant-propre hits comme "Rainy Days and Mondays» et «(Ils aspirent à être) proche de vous." Ils ont été adoptés par le droit comme une réponse aux sons les plus révolutionnaires des années 60, et ont même été invités à chanter à la Maison Blanche par le président Nixon. Mais, comme souligne Haynes, il n'y avait plus à la Fraternité que leur personnalité publique saine. Le film - avec ses coupes de choc et 80 slasher-movie score - est comme un voile d'être arrachés à l'Amérique idyllique image de soi.

Le film identifie plusieurs coupables possibles dans la disparition de Karen, dont un critique musical qui a évoqué le chanteur impressionnable "Chubby" dans un article de magazine. Haynes est sans remords dans sa représentation de sa famille. les parents de Karen et son frère sont représentés la traiter davantage comme un malade mental d'un membre de la famille. Ce sont ces scènes, plus de l'utilisation des charpentiers de la musique, qui est très probablement conduit à la suppression du film. Haynes insinue que Richard était gaie en ayant Karen dire: «Je vais leur parler de votre vie privée." Evidemment, cela ne vous asseyez pas trop bien avec Richard.

Superstar n'est pas pour tout le monde. Les cartes semblent délibérément titre difficile à lire, et l'utilisation du film d'images de l'Holocauste est bouleversant pour dire le moins. C'est clairement un projet de thèse; à un moment donné, Haynes nous donne un aperçu de la production alimentaire aux États-Unis après la Seconde Guerre mondiale. Mais c'est aussi une œuvre d'art remarquables. Le choix du directeur - obsessionnelle des gros plans de pilules Ex-Lax, la vue bizarre de Karen fessée par son père à l'âge adulte - aller droit au coeur. Et les poupées Barbie sont un coup de maître. Ils obtiennent à la racine du problème: attentes irréalistes de la société pour les filles. Superstar rangs aux côtés de sécurité et je suis pas là comme la plus radicale et profonde chose Haynes a jamais fait.

C'est drôle! Il est spirituel! C'est "The Informant!

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"Quatre hommes blancs se réunissent sur un jour de semaine - ce n'est pas une réunion d'affaires, c'est une scène de crime."
-The Informant!

Sur la surface, l'informateur! Ne devrait pas être un film agréable à regarder. Il s'agit de l'un des plus fiables du 21ème siècle de mauvais acteurs: greedheads entreprises qui se croient au dessus des lois. (Dans la plupart des cas, ils sont sans doute raison.) Son histoire se déroule dans les années 1990, lorsque les transactions d'affaires sont encore réalisées en face-à-face dans les salles de conférence et suites exécutives. Les personnages sont toujours chemine dans les aéroports et les chuchotements qui complote dans les téléphones. C'est le plus terne monde imaginable de mettre un film po

Et pourtant, c'est un spectacle formidable. Il dispose de Matt Damon plus tels que la performance depuis caméléon Le Talentueux M. Ripley, et zips le long Merci à certains écriture très drôle et certains choix de coulée Très amusant.

Réalisateur Steven Soderbergh, prononçant son bon premier film depuis 2005 de Bubble, travaille dans le style d'un pince-sans Frères Coen la comédie, comme Intolérable Cruauté et Burn After Reading. Contrairement à une entreprise thriller droite comme, par exemple, Michael Clayton, l'indignation est juste sous la surface. Soderbergh semble suivre le vieil adage que si vous voulez chasser le diable, la meilleure façon est de se moquer de lui.

Le héros (sorte de) est Mark Whitacre, qui, dans le milieu des années 1990 est devenu connu sous le nom de l'exécutif au plus haut niveau américain à son tour dénonciateur. Il a travaillé pour Archer Daniels Midland, et a commencé à coopérer avec le FBI lors de son enquête sur un régime de fixation des prix. Il ya plus à cette histoire, mais de révéler exactement ce que Whitacre a été jusqu'à serait gâcher le plaisir. C'est une de ces histoires que la seule crédible parce qu'elle a la vertu d'être vrai.

Soderbergh raconte cette histoire dans un esprit, de manière pince-sans-rire, en utilisant un score ironie pétillante et une collection de pensées apparemment aléatoire livrés en voix off. (Plus tard, nous apprenons que Whitacre avait trouble bipolaire). Damon donne à l'homme une innocence aux yeux écarquillés. Il a emballé sur le poids pour le rôle, et sa mâchoire semble toujours être supprimé. Sa vision est si imbu de demander que vous s'attend presque un oiseau bleu et de voler dans la terre sur son épaule. Mais comme Tom Ripley, ses masques bonne humeur d'un rhume et le calcul de la personnalité. C'est un personnage très complexe et une grande performance.

Le dialogue (écrit par Scott Bourne Ultimatum scribe Burns Z.) brille, et il est livré par certains des comédiens les plus en vue aujourd'hui: Patton Oswalt, Joel McHale et Paul F. Tomkins, entre autres. Quentin Tarantino a fait quelque chose de semblable dans Inglourious Basterds, le recrutement des acteurs comiques, essentiellement pour non-comique rôles. Mais cette stratégie est encore plus efficace dans The Informant! C'est sa façon de nous laisser Soderbergh dans la plaisanterie. Et l'histoire de Mark Whitacre n'est rien si elle n'est pas une blague, on vous n'êtes pas sûr s'il faut rire ou pleurer.

"District 9" Rocks

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Déjà à # 44 sur la liste IMDb des 250 premiers films jamais réalisés, District 9 est le premier long métrage de cinéma d'un talent majeur: l'Afrique du Sud directeur et co-scénariste Neill Blomkamp. Au début de cette décennie, les ans, enfant prodige de 29 a été choisi par Peter Jackson pour diriger une adaptation méga-budget du jeu vidéo Halo. Lorsque le projet est tombé à travers, l'équipe a décidé d'élargir un court-métrage Blomkamp avait fait sur les visiteurs étrangers à Johannesburg. Le résultat est un Dazzler révolutionnaire de science-fiction.

C'est un très sérieux, pièce concise de travail - l'anti-transformateurs. Le film établit rapidement une trame de fond qui réécrit l'histoire récente, à certains égards fascinante. En 1982, un vaisseau extraterrestre arrêté en vol au-dessus de Johannesburg. Les passagers ont été rapidement arrêtés et envoyés dans une zone réglementée appelé District 9. L'action concerne aujourd'hui les efforts de Wikus Van De Merwe, une main sur le terrain pour un entrepreneur de défense majeur, pour reloger les étrangers dans un autre camp.

la conception visuelle du film est complètement inspiré, combinant des éléments d'un documentaire avec la cinématographie traditionnelle. Matt Reeves fait quelque chose de semblable l'an dernier avec Cloverfield, mais son film monstre avait une plus Herky-saccadé, Blair Witch style-you-throw-up esthétiques font. Les images de District 9 sont plus propres et plus robuste. Le «documentaire» des images est au même niveau professionnel que des nouvelles du réseau, il est donc étonnant quand Blomkamp introduit des éléments naturel dans le mix. Il évite l'auto-conscience de Cloverfield FX, et ce faisant, il vous fait sentir comme si vous êtes vraiment voir des étrangers ici, sur Terre.

Ces sont que quelques étrangers dégoûtant prospectifs. Si Predator et les arachnides de Starship Troopers fait les bébés, ils pourraient ressembler à ceci. Blomkamp veut vous à sympathiser avec leurs souffrances, mais il n'a pas peur de la façon dont elles sont répugnantes. Ils vivent dans la misère, et il est clair qu'ils ne connaissent pas leurs manières de table. (Ils mangent de la nourriture pour chats.) Les scènes dans le bidonville exotiques sont tellement cru et réel aux soins qu'ils pourraient aliéner (jeu de mots), certains téléspectateurs. Il s'agit d'un compromis et sans remords film d'horreur de science-fiction, celui dont le style brutal est approprié pour une histoire qui a essentiellement une métaphore de l'apartheid en Afrique du Sud.

The first 30 minutes are difficult to watch (in a good way). After that, the narrative turns into a thrilling chase, at which point District 9 becomes the most unlikely of buddy movies. The film is grounded in the astonishing, wonderfully self-effacing performance by Sharlto Copley as Wikus, a man who means well but clearly isn't up to the task set before him. Wikus's character arc, going from a bumbling idiot to a reluctant action hero, is unusually vivid for a genre movie. Forced into hiding, Wikus joins forces with an intelligent alien single dad named Christopher Johnson. Given that Copley was probably talking to himself on the set, the scenes between Wikus and Christopher are remarkably engaging and believable.

Note: The film is a complete triumph for the Vancouver Film School. In addition to the director and his co-writer, 25 members of the visual effects crew went to VFS. Special-effects driven movies are the best argument I can think of for the existence of film schools; to work on something like District 9 , you need the training. This movie could be used as a recruitment tool not just for VFS, but for film schools in general.

Tarantino's Glorious 'Basterds'

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Wild, éclectique et de manière cool, Inglourious Basterds peut-être la quintessence de Quentin Tarantino. Cela ne veut pas dire que j'aime c'est autant que Pulp Fiction et de Kill Bill, Vol. 2 - du moins, pas encore. Mais avec ce 2 ½ heures épique Seconde Guerre mondiale, les obsessions de Tarantino en tant que cinéaste semble avoir été donné toute leur expression artistique.

Deux de ces obsessions - la langue et le cinéma - sont au cœur de Inglourious Basterds. Cinéma aide fascisme défaite, et la langue est essentielle - lorsqu'il est utilisé avec précision ou de manière imprécise, elle peut amener les gens tués.

Comme tous les films de Tarantino, Inglourious Basterds est divisé en chapitres. Le premier chapitre est intitulé «Once Upon a Time in Nazi-France occupée" (une référence à la magnifique spaghetti de Sergio Leone l'ouest Il était une fois dans l'Ouest). Le colonel Hans Landa (Christoph Waltz), un nazi de haut rang, des visites de la maison isolée d'un producteur laitier. Landa est un interrogateur maître, la commutation entre l'allemand, français, anglais et italien pour lui donner l'avantage à plein dans une situation donnée. Il soupçonne l'agriculteur de se cacher dans une famille juive nommé Dreyfus. L'interrogatoire qui suit est l'un des exercices les plus palpitantes intellectuelle que j'ai jamais vu dans un film.

La scène est aussi passionnant en termes cinématographiques. One shot en particulier, qui révèle les Dreyfus sont en effet se cacher à la ferme, se mord dans votre mémoire. Ceci est important parce que ce qui la scène est vraiment faire, c'est mettre en place l'intrigue du film se venger principal. "Il était une fois en France occupée par les nazis" ressemble beaucoup à la «Origine de O-Ren" séquence dans Kill Bill, Vol. 1. Les deux disposent d'un massacre qui modifie la vie d'une jeune fille, et les deux utilisent la musique d'Ennio Morricone pour donner les tragédies d'une qualité d'opéra. Je pense que le projet de loi séquence Kill - avec peu d'animation O-Ren ventouses sa bouche avant le mot "pleurnicher" ne peut échapper - est plus puissante. Mais Inglourious Basterds est au même niveau. Un autre coup de bravoure, encadrée par une porte, rappelle la fin célèbre de John Ford's The Searchers. C'est par cette porte que nous voyons échapper au massacre seul survivant.

Le deuxième chapitre nous introduit à la Basterds "," une équipe de la plupart des soldats juifs-américains qui sont si brutaux qu'ils ont semé la peur dans les rangs nazis. Ils sont dirigés par le lieutenant Aldo Raine (Brad Pitt), un péquenaud du Tennessee qui prétend être le descendant direct de l'homme de la montagne Jim Bridger (1804-1881). Ces scènes montrent flair du directeur pour le timing comique et sa tendance à passer humeurs sans avertissement. La violence est souvent joué pour rire, qui (comme c'est généralement le cas avec Tarantino) va rendre certaines personnes mal à l'aise. (Pour une critique de son style Tarantino, je n'ose vous regarder Haneke Funny Games de Michael.) Mais il est difficile de se sentir coupable de rire quand les gens se faire tuer sont des nazis. Dans un flashback sauvagement violents, un allemand du nom de badass Hugo Stiglitz (Til Schweiger) tue plus d'une douzaine de ses camarades avant de se joindre à la Basterds. Dans cette séquence et d'autres, mélanger Tarantino de l'ironie, la comédie et de sang se sent juste bien.

Outre Hugo, un Basterds quelques autres font des impressions fortes. protégé de Tarantino, Eli Roth (il a fait l'hystérique "Thanksgiving" remorque dans Grindhouse), a quelques bons moments que Donny Donowitz, surnommé Le Juif Bear pour son talent pour battre les nazis à mort avec une batte de baseball. Et la ligne lectures Novak BJ sont tellement hilarante il m'a convaincu de commencer à regarder The Office. Mais Pitt le tableau principal. Ma seule plainte est qu'il ne rit jamais, rien ne se compare à entendre ce rire fou de son (par exemple, la scène de Fight Club, où Tyler se fait battre par Lou insensée le propriétaire du club).

Les trois autres chapitres du film sont consacrés à un complot pour faire sauter Hitler (ridiculement joué par Martin Wuttke). Nous sommes réintroduit Shoshanna Dreyfus (Mélanie Laurent), le seul survivant de ce massacre ferme l'ouverture, qui se cache à Paris et en cours d'exécution d'un cinéma. Nous sommes également mis en place à Joseph Goebbels (Sylvester Groth), qui est à Paris pour présenter son nouveau film, La fierté de la nation, avec un héros de guerre allemand nommé Fredrick Zoller (Daniel Brühl). Comme par hasard ont, Fredrick répond Shoshanna et développe un béguin pour elle. Shoshanna utilise ce à son avantage. A l'insistance de Fredrick, pour la première Nation's Pride est déplacé à son cinéma - d'autant mieux pour elle de le faire sauter à l'aide de grandes approvisionnement théâtre, le film de nitrate inflammable tirages.

Fredrick est l'un des plus du film caractères trompeuses. Il a joué par la face la jeune star frais de Goodbye Lenin!, Et il semble être un assez bon gars comme lui et parler Shoshanna environ 1940 le cinéma européen et il la harcèle au sujet de sortir avec lui. C'est choquant quand on l'entendre dire «Heil Hitler!" Pour la première fois ou quand il fait référence à Goebbels comme "Joseph". Bien que Landa est plus individualiste, Fredrick est le vrai visage du fascisme - sa personnalité a été avalés par les nazis.

Les Inglourious prévoyons également de faire sauter le théâtre, si Shoshanna ne sait pas cela, c'est l'un des traits les plus originaux de Tarantino que les deux ensembles de traceurs jamais découvrir les uns les autres. La deuxième parcelle, le nom d'opération Kino, conduit à une scène extraordinaire de 20 minutes dans un sous-sol, où un espion allemand du nom de Bridget von Hammersmark (Diane Kruger) est en attente pour diriger l'Basterds au théâtre. Les charnières suspense sur un drôle d'accent utilisé par un lieutenant de l'armée britannique nommé Archie Hicox (Michael Fassbender). Il ya au moins quatre grandes performances dans cette scène. Mon préféré c'est au tour charismatique Août Diehl comme Major Hellstrom, un garçon de l'affiche nazie qui devient suspecte de l'accent d'Archie. Major Hellstrôm méchamment jubilation miroirs face à une image fantasmagorique que nous verrons plus loin à l'intérieur du théâtre de Shoshanna.

Le point culminant (avec un grand nombre de nazis morts, de David Bowie "Cat People" et le plus sexy robe rouge dans l'ensemble de Paris) concurrents "Showdown à la Chambre des Blue Leaves» comme la plus divertissante et vivante fébrilement la séquence de la carrière de Tarantino. Waltz nous a donné le film le plus méchant électrisante depuis Heath Ledger le Joker. Et je n'ai même pas mentionné Wasco temps du parfait production design-David ou amusant camée Mike Myers comme un général d'armée britannique. Inglourious Basterds est la plus rare des choses: une agréable artistiquement foules.

Die Hard: Avec un "Vengeance"

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Sympathy for Mr. Vengeance est clairement le travail de Park Chan-Wook, l'un des cinéastes les plus passionnants derrière le mouvement New Wave coréen. I l est pas autant de plaisir à regarder que Oldboy, qui suit Sympathy for Mr. Vengeance dans le parc de Vengeance Trilogy (Lady Vengeance est la dernière tranche). Mais on pourrait en dire autant de n'importe quel film jamais tourné.

Ecrit en moins de 20 heures (!), Sympathy for Mr. Vengeance s'agit d'un sourd-muet Guy nommé Ryu (Shin Ha-Kyun). Ryu va longueurs extraordinaires à payer pour une greffe d'organe pour sa sœur. D'abord, il vend un de ses reins sur le marché noir. Puis il kidnappe une petite fille et son titulaire d'obtenir une rançon. Bien sûr, tout se passe horriblement (horriblement) mal.

Viewers will gawk at Park's widescreen compositions – especially the scenes filmed along the Seomjin River. The film never quite reaches the mind-blowing levels of Oldboy , where the hero pummels 12 guys with a hammer while he has a knife stuck in his back. But Sympathy for Mr. Vengeance has some genuinely shocking moments. The acts of vengeance (electroshock torture, sliced-open ankles, geysers of blood) have a disquieting sense of inevitability about them; the point is that they have no point. This is quite different from Oldboy , where the mechanics of the manga-inspired plot reveal layer upon layer of secrets.

Tout comme ses personnages défier la loi, Sympathy for Mr. Vengeance défie parfois la logique. (After 20 hours of nonstop writing, I say sleep on it and polish it in the morning.) The little girl's father (played by Kang-ho Song, the star of Park's new vampire pic, Thirst ) walks into a radio station via a gigantic plot hole. Still, there's something satisfying about the way Park refuses to soften the blow, either with comic relief or with easy thrills. If revenge is a dish best served cold, then Sympathy for Mr. Vengeance is the ice-cold sushi of revenge movies.

Calling All Movie Critics

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